Главная » «Дозвониться до дождя»: Абонент не отвечает.
«Дозвониться до дождя»: Абонент не отвечает.
21.09.2016
В сентябре в московском «Театре на Юго — Западе» пахнет сосновой стружкой. Свежесрубленные подмостки желты и гладки, словно отдраенная на совесть палуба фрегата, ведомого попутным зюйд - вестом в юбилейный сороковой сезон.
Первый порт приписки, как водится, премьерный. 12 сентября своим новым спектаклем под названием «Дозвониться до дождя» открыл трудовые сценические будни Художественный руководитель театра Олег Леушин.
Автор пьесы, испанский драматург Мигель Миура назвал ее «Три цилиндра». Незатейливая, трогательная история любви с сюжетом, предполагающим музыкальный и танцевальный антураж, как нельзя более укладывается в стилистику театра. Броское цветовое и световое сопровождение, своеобразие звука и хореографии заложены на «Юго - западе» в фундамент любой постановки.
Так и начинается спектакль Олега Леушина. Вводная сцена впечатляет черно - белой графикой костюмов и аксессуаров, четкостью движений в сочетании с великой музыкой группы «Queen».Важность первой сцены трудно переоценить, ведь именно она настраивает зрителей на верный лад восприятия произведения, а актерам задает точный ритм, тон и эмоциональный фон повествования.
Однако сам по себе неплохой задел остается в дальнейшем одиноко стоять в сторонке от всего, что происходит на сцене. Неизвестно, намеренно или случайно автор спектакля размывает временные рамки, четко обозначенные в пьесе, но все остальное действие происходит уже в некоей иной реальности, не имеющей отношения к тому, чем приманили зрителя в начале. Крутой замес из современной музыки, опереточных костюмов, реквизита «под старину», декораций и света «а ля кабаре» вдруг начинает двигаться враскос с лучшей песней прошлого столетия, а ее прекрасный, но изрядно потрепанный рефрен «Show must go on» звучит в устах героев спектакля чужеродно и несколько навязчиво.
Впрочем, так ли важна временная определенность для истории любви, даже если на ней настаивает автор пьесы? Вовсе нет. Главное, чтобы она была одухотворенной и цельной.
Именно этих двух составляющих не хватило новой постановке. Конструкция получилась тяжеловесной и неустойчивой. Бесконечный набор концертных номеров, в стиле любимой театром «Встречи с песней» (музыкально — юмористическая программа) задавливает сюжет, рвет его на мелкие кусочки, вытесняет фабулу из действия, да так, что уловить саму суть происходящего становится непросто.
Тяжелее всего в этой ситуации проходится актерам. Вне четкой режиссерской задачи маститые пытаются «выплыть» самостоятельно. Неплохо смотрится бурлескная парочка - Буби Бартон (Алексей Матошин) и Фанни (Ольга Авилова). Образы продуманы от кабареточного начала до глубинной трагической сути внутри персонажа, придающей героям правдивость и рельефность.
Как всегда хорош замечательный Андрей Санников в роли Мадам Ольги. Его комическая героиня появляется точно в тот момент, когда утомленный и заскучавший зритель начинает коситься на экраны гаджетов. Этот актер обладает удивительной способностью увидеть и талантливо показать смешное там, где в любом другом случае оно могло бы стать пошлым.
Тем не менее, в отсутствие ясного режиссерского видения персонажей все артисты «барахтаются» в тех рамках, к которым привыкли: А. Матошин как обычно мастерски и вдохновенно танцует, «копает» вглубь роли, О. Авилова держится характерности, А. Санников - гротеска. Чувствуется, что исполнители изо всех сил стараются сделать своих героев понятными, образы - полнокровными. Они пытаются разбудить в зрителе нужную эмоцию, но избавиться до конца от некоторой вторичности изображения все так и не удается.
Дальше всех отойти от привычного амплуа удалось, пожалуй, Антону Белову. Из простого хозяина гостиницы Дона Росарио он творит (и тут уже, несомненно, не без режиссерского замысла!) существо инфернальное, немного дьявольское, без прошлого и вне настоящего. В костюме гетевского Фауста он похож то ли на средневекового алхимика - экспериментатора, то ли на Карабаса - Барабаса, невидимо руководящего процессом действия, разводящего и сталкивающего героев, наблюдающего за ними с интересом ученого - вивисектора. Как и положено потусторонней силе, герой существует на первый взгляд незаметно, но именно в его руках оказывается основная нить повествования.
Заводную куклу наследника Тутти увидела Любовь Ярлыкова в своей героине Маргарите, и эта «механичность» образа дала роли жизнь.
Чудесная Жанна Чирва (Донна Сакрамента), несмотря на желание ее персонажа проникнуть в высший свет, остается все той же бандершей — пираткой из детского спектакля режиссера О. Леушина «В поисках сокровищ».
Более всего не повезло одному из признанных мастеров театра Фариду Тагиеву. После блестящего исполнения роли Лорда Генри в предыдущем спектакле О. Леушина «Портрет Дориана Грея» держать планку, разумеется, нелегко. На сей раз, актер очевидно теряется, суетится, вертит своего Богатого господина и так и сяк, но получается не сладострастный шейх, а жалкий прощелыга. Впрочем, если артист и режиссер видят этого персонажа таковым, то подобный подход к роли вполне оправдан.
При взгляде на ведущую пару спектакля Паулу (Алина Дмитриева) и Дионисио (Михаил Грищенко) знаменитое «Не верю!» представляется особенно актуальным. Молодые исполнители играют ту самую вечную историю любви, от которой должно замирать и сердце, и дыхание. Отчего же она так похожа на противостояние двух актеров, каждый из которых упорно пытается выкарабкаться из трясины нелюбви? Ни магии, ни трепета, ни химии в их холодных объятиях. Тема, легкая, как пух одуванчика, не рождает таких же парящих и омывающих душу эмоций.
Вероятно, плоскость и бестрепетность образов главных героев обусловлены и отсутствием вокруг них вдохновляющей эмоциональной ауры, ведь в немалой степени пробуждению «седьмых» чувств должен способствовать общий фон постановки. Гениальное название «Дозвониться до дождя» загодя подготавливает романтическую и плодородную почву восприятия. Дождь — это погода для души. Зритель теперь ждет атмосферы, насыщенной влагой, стуком капель о стекло, уютного, чуть замедленного существования в закрытом от ненастья пространстве. Хочется и немного гриновской морской мечтательности, коли уж действие происходит в портовом городишке: огней маяка, моряцких песен, шуршания волн, запаха водорослей. В умелых руках такая среда создается пусть не напрямую, но намеками, настроем исполнителей, светом, звуком, пластикой.
Попытки включить подходящий звуковой фон и бесконечно много разговаривать с дождем по телефону все же не до конца оправдывают название и не рождают тех самых, все скрепляющих экстатических условий, в которых было бы комфортно существовать актерам на сцене.
Пьесу испанского драматурга О. Леушин основательно творчески переработал. Вместо цилиндров появился дождь. Изменены персонажи, диалоги, привнесено много нового. Это ничуть не противоестественно, тем более, что главная мысль произведения осталась нетронутой. Лейтмотив пьесы удивительно точно совпадает с содержанием все той же немеркнущей в своей популярности песни «Show must go on». Наверное, режиссер поступил бы более тонко, если бы оставил шедевр группы «Queen».музыкальным фоном спектакля и не заставил Дона Росарио (А. Белов) читать его перевод наизусть. Подобная тактическая ошибка - втолкнуть идею в зрителя, как кашу в младенца - идет еще от постановки «Дориана Грея». Она утяжеляет действие и свидетельствует о неуверенности автора либо в своих силах, либо в адекватности зрителя.
К слову сказать, лишнего в теле спектакля немало. И чем ближе к концу, тем больше. Непонятно к чему носится по сцене несчастный Андрей Санников в костюме то ли сумасшедшего царя, то ли Аллы Пугачевой. Неясно для чего под занавес исполняется танец в красных костюмах родом откуда-то из советских семидесятых. Зачем Антону Белову предлагать публике поговорить по телефону с дождем, ведь такой ход сразу рушит дистанцию и вместе с тем магию театрального зрелища, низводя его до уровня панибратского интерактива.
Кажется, автор мечется между множеством вариантов удачно закончить спектакль и упускает тот самый, единственно верный, когда на сцене снова черно — белая гамма, снова прекрасная музыка, слаженное движение и отличное режиссерское решение — зонтики, опадающие «со стуком на пол». Все сказано, изящно и лаконично. Такой конец закольцовывает начало, получается смысловая и эстетическая рамка произведения. Так нет же — вновь танцы, сумбур и суета.
Справедливости ради стоит отметить и несколько удачных моментов — отменно поставленный и исполненный «танец белых перчаток», задумка с тенями, вовлечение в игру зонтиков, превосходная хореография. Ну и, конечно, название - «Дозвониться до дождя».
Из него могла бы получиться история прозрачная и хрустальная, как горный воздух, но спектаклю не удалось преодолеть земное притяжение. Танцы и трюки загромождают его пространство, актеры не могут «взлететь» и удрученно обживают предлагаемые обстоятельства. Особенно растерянным выглядит даровитый и перспективный молодой актер Михаил Грищенко. Он пока еще очень нуждается в поддержке, но в данном спектакле не получает ее ни от режиссера, ни от партнерши.
Когда опытный актер пробует свои силы в режиссуре, он всегда идет по скользкому булыжнику незадач и несовершенства. И все-таки этот путь исполнен волшебства исканий, новых открытий и духовных накоплений. Верится, что спектакль «Дозвониться до дождя» станет еще одним кирпичиком в стене будущих побед начинающего постановщика, что со временем он настоится, окрепнет и непременно найдет своих почитателей.
Автор текста: Дарья Евдочук
Автор фотографий: Анастасия Журавлева
Так и начинается спектакль Олега Леушина. Вводная сцена впечатляет черно - белой графикой костюмов и аксессуаров, четкостью движений в сочетании с великой музыкой группы «Queen».Важность первой сцены трудно переоценить, ведь именно она настраивает зрителей на верный лад восприятия произведения, а актерам задает точный ритм, тон и эмоциональный фон повествования.
Однако сам по себе неплохой задел остается в дальнейшем одиноко стоять в сторонке от всего, что происходит на сцене. Неизвестно, намеренно или случайно автор спектакля размывает временные рамки, четко обозначенные в пьесе, но все остальное действие происходит уже в некоей иной реальности, не имеющей отношения к тому, чем приманили зрителя в начале. Крутой замес из современной музыки, опереточных костюмов, реквизита «под старину», декораций и света «а ля кабаре» вдруг начинает двигаться враскос с лучшей песней прошлого столетия, а ее прекрасный, но изрядно потрепанный рефрен «Show must go on» звучит в устах героев спектакля чужеродно и несколько навязчиво.
Впрочем, так ли важна временная определенность для истории любви, даже если на ней настаивает автор пьесы? Вовсе нет. Главное, чтобы она была одухотворенной и цельной.
Именно этих двух составляющих не хватило новой постановке. Конструкция получилась тяжеловесной и неустойчивой. Бесконечный набор концертных номеров, в стиле любимой театром «Встречи с песней» (музыкально — юмористическая программа) задавливает сюжет, рвет его на мелкие кусочки, вытесняет фабулу из действия, да так, что уловить саму суть происходящего становится непросто.
Тяжелее всего в этой ситуации проходится актерам. Вне четкой режиссерской задачи маститые пытаются «выплыть» самостоятельно. Неплохо смотрится бурлескная парочка - Буби Бартон (Алексей Матошин) и Фанни (Ольга Авилова). Образы продуманы от кабареточного начала до глубинной трагической сути внутри персонажа, придающей героям правдивость и рельефность.
Как всегда хорош замечательный Андрей Санников в роли Мадам Ольги. Его комическая героиня появляется точно в тот момент, когда утомленный и заскучавший зритель начинает коситься на экраны гаджетов. Этот актер обладает удивительной способностью увидеть и талантливо показать смешное там, где в любом другом случае оно могло бы стать пошлым.
Тем не менее, в отсутствие ясного режиссерского видения персонажей все артисты «барахтаются» в тех рамках, к которым привыкли: А. Матошин как обычно мастерски и вдохновенно танцует, «копает» вглубь роли, О. Авилова держится характерности, А. Санников - гротеска. Чувствуется, что исполнители изо всех сил стараются сделать своих героев понятными, образы - полнокровными. Они пытаются разбудить в зрителе нужную эмоцию, но избавиться до конца от некоторой вторичности изображения все так и не удается.
Дальше всех отойти от привычного амплуа удалось, пожалуй, Антону Белову. Из простого хозяина гостиницы Дона Росарио он творит (и тут уже, несомненно, не без режиссерского замысла!) существо инфернальное, немного дьявольское, без прошлого и вне настоящего. В костюме гетевского Фауста он похож то ли на средневекового алхимика - экспериментатора, то ли на Карабаса - Барабаса, невидимо руководящего процессом действия, разводящего и сталкивающего героев, наблюдающего за ними с интересом ученого - вивисектора. Как и положено потусторонней силе, герой существует на первый взгляд незаметно, но именно в его руках оказывается основная нить повествования.
Заводную куклу наследника Тутти увидела Любовь Ярлыкова в своей героине Маргарите, и эта «механичность» образа дала роли жизнь.
Чудесная Жанна Чирва (Донна Сакрамента), несмотря на желание ее персонажа проникнуть в высший свет, остается все той же бандершей — пираткой из детского спектакля режиссера О. Леушина «В поисках сокровищ».
Более всего не повезло одному из признанных мастеров театра Фариду Тагиеву. После блестящего исполнения роли Лорда Генри в предыдущем спектакле О. Леушина «Портрет Дориана Грея» держать планку, разумеется, нелегко. На сей раз, актер очевидно теряется, суетится, вертит своего Богатого господина и так и сяк, но получается не сладострастный шейх, а жалкий прощелыга. Впрочем, если артист и режиссер видят этого персонажа таковым, то подобный подход к роли вполне оправдан.
При взгляде на ведущую пару спектакля Паулу (Алина Дмитриева) и Дионисио (Михаил Грищенко) знаменитое «Не верю!» представляется особенно актуальным. Молодые исполнители играют ту самую вечную историю любви, от которой должно замирать и сердце, и дыхание. Отчего же она так похожа на противостояние двух актеров, каждый из которых упорно пытается выкарабкаться из трясины нелюбви? Ни магии, ни трепета, ни химии в их холодных объятиях. Тема, легкая, как пух одуванчика, не рождает таких же парящих и омывающих душу эмоций.
Вероятно, плоскость и бестрепетность образов главных героев обусловлены и отсутствием вокруг них вдохновляющей эмоциональной ауры, ведь в немалой степени пробуждению «седьмых» чувств должен способствовать общий фон постановки. Гениальное название «Дозвониться до дождя» загодя подготавливает романтическую и плодородную почву восприятия. Дождь — это погода для души. Зритель теперь ждет атмосферы, насыщенной влагой, стуком капель о стекло, уютного, чуть замедленного существования в закрытом от ненастья пространстве. Хочется и немного гриновской морской мечтательности, коли уж действие происходит в портовом городишке: огней маяка, моряцких песен, шуршания волн, запаха водорослей. В умелых руках такая среда создается пусть не напрямую, но намеками, настроем исполнителей, светом, звуком, пластикой.
Попытки включить подходящий звуковой фон и бесконечно много разговаривать с дождем по телефону все же не до конца оправдывают название и не рождают тех самых, все скрепляющих экстатических условий, в которых было бы комфортно существовать актерам на сцене.
Пьесу испанского драматурга О. Леушин основательно творчески переработал. Вместо цилиндров появился дождь. Изменены персонажи, диалоги, привнесено много нового. Это ничуть не противоестественно, тем более, что главная мысль произведения осталась нетронутой. Лейтмотив пьесы удивительно точно совпадает с содержанием все той же немеркнущей в своей популярности песни «Show must go on». Наверное, режиссер поступил бы более тонко, если бы оставил шедевр группы «Queen».музыкальным фоном спектакля и не заставил Дона Росарио (А. Белов) читать его перевод наизусть. Подобная тактическая ошибка - втолкнуть идею в зрителя, как кашу в младенца - идет еще от постановки «Дориана Грея». Она утяжеляет действие и свидетельствует о неуверенности автора либо в своих силах, либо в адекватности зрителя.
К слову сказать, лишнего в теле спектакля немало. И чем ближе к концу, тем больше. Непонятно к чему носится по сцене несчастный Андрей Санников в костюме то ли сумасшедшего царя, то ли Аллы Пугачевой. Неясно для чего под занавес исполняется танец в красных костюмах родом откуда-то из советских семидесятых. Зачем Антону Белову предлагать публике поговорить по телефону с дождем, ведь такой ход сразу рушит дистанцию и вместе с тем магию театрального зрелища, низводя его до уровня панибратского интерактива.
Кажется, автор мечется между множеством вариантов удачно закончить спектакль и упускает тот самый, единственно верный, когда на сцене снова черно — белая гамма, снова прекрасная музыка, слаженное движение и отличное режиссерское решение — зонтики, опадающие «со стуком на пол». Все сказано, изящно и лаконично. Такой конец закольцовывает начало, получается смысловая и эстетическая рамка произведения. Так нет же — вновь танцы, сумбур и суета.
Справедливости ради стоит отметить и несколько удачных моментов — отменно поставленный и исполненный «танец белых перчаток», задумка с тенями, вовлечение в игру зонтиков, превосходная хореография. Ну и, конечно, название - «Дозвониться до дождя».
Из него могла бы получиться история прозрачная и хрустальная, как горный воздух, но спектаклю не удалось преодолеть земное притяжение. Танцы и трюки загромождают его пространство, актеры не могут «взлететь» и удрученно обживают предлагаемые обстоятельства. Особенно растерянным выглядит даровитый и перспективный молодой актер Михаил Грищенко. Он пока еще очень нуждается в поддержке, но в данном спектакле не получает ее ни от режиссера, ни от партнерши.
Когда опытный актер пробует свои силы в режиссуре, он всегда идет по скользкому булыжнику незадач и несовершенства. И все-таки этот путь исполнен волшебства исканий, новых открытий и духовных накоплений. Верится, что спектакль «Дозвониться до дождя» станет еще одним кирпичиком в стене будущих побед начинающего постановщика, что со временем он настоится, окрепнет и непременно найдет своих почитателей.
Автор текста: Дарья Евдочук
Автор фотографий: Анастасия Журавлева